Voor Aristoteles heeft een echte kunst een aparte “waardige” of “back-up” werkelijkheid die als secundair wordt beschouwd, maar niettemin van cruciaal belang is bij de creatie van kunst (Aristoteles, 1951). Tekenen, schilderen, poëzie en muziek, maar ook literatuur en toneelschrijven stellen individuen in staat hun verbeelding te gebruiken om hun relatie met hun wereld te ontvouwen, voortbouwend op de diepte en breedte van Aristoteles’ idee van beeldende kunst als een artistiek proces (Howe, 1990; Houtman, 1989; Loar, 2005). Volgens klinisch psychologe Marlene Rothblum helpt kunst mensen om hun inherente waarde te erkennen. Kunst is een middel tot zelfontdekking door inzicht in de menselijke natuur en menselijke ervaring. Kunstenaars in het bijzonder gebruiken het proces van creatie om meer psychologische ruimte af te bakenen die potentieel ontoegankelijk voor hen is geweest. Kunst biedt kinderen en jongeren de mogelijkheid om hun eigen visuele en verbale communicatievaardigheden te oefenen, maar het verandert ook hun zelfbesef en stabiliseert of ondermijnt hun interne grenzen (Howe, 1990). “Kunst is speels, creatief, avontuurlijk, fantasierijk, emotioneel, sensueel, opbeurend, creatief, krachtig en emotioneel,” zegt Rosenfeld. Kunst kan werken als een katalysator voor creatieve expressie en kan een uitlaatklep bieden voor naïeve emoties en sensaties. Sommige kunstenaars geloven dat kinderen en adolescenten, die al emotioneel blootgesteld zijn aan de buitenwereld, meer geneigd zijn om kunst te zoeken en ermee te experimenteren en misschien niet het geduld hebben om zoveel tijd aan kunst te besteden als ze zouden hebben als ze een ondersteunend gezin en een kunstopleiding hadden gehad. Toch weten kunstenaars en hun publiek vaak niet precies wat het is dat hun creatie de moeite waard maakt of welke emoties het oproept (Howe, 1990). Onderzoek suggereert dat kunstenaars over het algemeen eerder dan niet-kunstenaars positieve emoties in hun werk tot uitdrukking brengen. Zo is bijvoorbeeld gebleken dat kinderen zich meer bezighouden met kwantitatieve methoden om hun vaardigheden te oefenen wanneer hun wordt gevraagd gedetailleerde tekeningen of beeldhouwwerken te maken, en dat meisjes eerder geneigd zijn hun plezier te uiten in het maken van een bloem of een edelsteen (Houtman, 1989). Recente controverses over acteurs uit de industrie in de beeldende kunst vertegenwoordigen de rest van de interne trauma’s die door “echte” kunst worden opgezocht. Kunst en theater zijn gebaseerd op de flexibiliteit van diëten, naaktheid en seksualiteit, en de sociale druk van het publiek om deel te nemen aan het publiek etc. Maar het onderscheid tussen kunst en theater is niet volledig: theater draait vaak rond sociaal beperkende lichaamsbeelden. Het is evenmin beperkt tot de beeldende kunsten. Theater is vaak een vorm van protest tegen gewelddadige politieke situaties, milieuvernietiging en consumentisme. Het is dan ook niet verwonderlijk dat een “kunst” die gemaakt is als reactie op geweld, de Burgeroorlog en de Holocaust vaak oorlogsbeelden vertoont. Dat strips en kinderfilms een vergelijkbare culturele achtergrond hebben, lijkt erop te wijzen dat ook zij analoge vlagen van adrenaline en sociale onrust kennen. Men vermoedde dat de “echte” sensatie van een emotionele seksscène met “Oom Jesse” en Tante Petunia een manier zou kunnen zijn om een statement te maken dat door het “verbeteren” van de wereld, die patriarchale maatschappij zou worden geschaad. Zoals Leuchtenberg uitlegt: Emotionele interacties tussen mannetjes en vrouwtjes, tussen mannen en honden, en tussen moeders en hun kinderen weerspiegelen zeer reële biologische behoeften, waarvan niet de minste de erkenning is dat voortplanting noodzakelijk is voor het voortbestaan van de soort. De omstandigheden in de echte wereld zijn zelden vreedzaam of stabiel. Daarom zijn de onrealistische seksuele relaties tussen vrouwen in stripverhalen of in kinderfilms vaak geen afspiegeling van echte sociale overlevingsmechanismen, maar in plaats daarvan een afspiegeling van de patriarchale logica van het seksisme. (Leuchtenberg, 1986: 462-63) Emotionele zouden een factor zijn die Dr. Alfred Bernis, een klinisch psycholoog die praktiseert in de Bronx, New York, benadrukte in zijn veelzeggende tekst The Authenticity of Visual Art: 50 Years of Controversy. De architectuur van zijn ideeën en van zijn werk blijkt uit zijn woorden: Laten we eens kijken hoe een kunstenaar zijn of haar persoonlijke verlangens naar relaties en steun voor zichzelf weerspiegelt, en de invloed op de cultuur. Papieren poppen, bijvoorbeeld, zijn in sommige opzichten vergelijkbaar met “echte meisjes,” omdat ze een manier zijn om intieme relaties met mensen te creëren. Maar ze zijn niet zo echt als een echt meisje. Dergelijke boeken, strips en films, zo betoogden critici, moedigen echte vreemden aan om over te steken en intiem met elkaar te worden. Deze mensen zijn niet bijzonder menselijk. Ze worden niet afgeschilderd als volwaardige menselijke wezens. Zijn zij echt? Nemen deze boeken die “echte” of goedkope “verbeeldingen” promoten “echte” mensen serieus? Kunstcampagnes over de bedoeling van de auteur hebben telkens andere vormen aangenomen. Slechts weinigen kunnen beweren objectief of waar te zijn.5 De bescherming van het gezin, zedelijkheid en fatsoen, bijvoorbeeld, worden nog steeds bezoedeld door veel van wat Bernard, in zijn aandringen dat kunstenaars sociale waarheden “behandelen”, een standpunt is dat serieus wordt genomen door sommige t
Lees meer: